L’originalità di “Beatlesmaniac” (Cluster-A, 288 pagine), il libro curato da Umberto e Alice Buttafava con Enzo Gentile (con lui abbiamo conversato qui), sta nel trattare la Beatlemania attraverso il caleidoscopio del merchandising, lo sconfinato universo di oggettistica e memorabilia beatlesiani: riviste, manifesti, biglietti dei concerti, tazze, fotografie, scrapbook, comunicazione, pubblicità, suono, parrucche, cappelli, tecnologia, pettinature, moda, costumi, strumenti musicali, film, bootleg, stivaletti...
Per gentile concessione dell’editore traiamo dal libro un testo di Alice Buttafava che tratta appunto del merchandising beatlesiano
Fino alla fine degli anni Cinquanta, il rapporto tra musicisti e oggetti commerciali era estremamente limitato. Le case discografiche si concentravano esclusivamente sulla vendita di dischi, biglietti per concerti e spartiti, mentre l’immagine dell’artista – pur talvolta iconica – non veniva ancora considerata un veicolo economico autonomo. I cantanti e i musicisti venivano promossi attraverso fotografie pubblicitarie, cartoline o poster da affiggere nei negozi, ma non esisteva un vero e proprio mercato di prodotti ispirati agli artisti.
Un’eccezione significativa si ebbe con l’ascesa di Elvis Presley, a metà degli anni Cinquanta. Il suo successo fra i giovani americani aprì uno spiraglio su un possibile nuovo utilizzo dell’immagine pubblica del cantante: non solo come artista da ascoltare alla radio o da applaudire sul palco, ma anche da “portare con sé”. Iniziarono così a circolare articoli di consumo – magliette, rossetti, accessori scolastici – che sfruttavano il suo nome o il suo volto. Tuttavia, si trattava ancora di un fenomeno marginale e poco strutturato: non esisteva un sistema di licenze centralizzato, e spesso il guadagno per l’artista era limitato o indiretto. In sostanza, prima dei Beatles, il merchandising musicale era una pratica rara, poco sviluppata e priva di una vera strategia. Mancavano sia la visione imprenditoriale, sia una cultura del consumo musicale che andasse oltre l’ascolto. Questo quadro stava però per cambiare radicalmente.
Quando i Beatles iniziarono a farsi notare in Gran Bretagna, all’inizio del 1963, nessuno poteva prevedere quanto profondamente avrebbero trasformato il rapporto tra un artista e il suo pubblico. In poco tempo, i loro volti e i loro nomi invasero non solo le classifiche, ma anche gli spazi quotidiani dei fan, diventando parte del paesaggio visivo e culturale dell’epoca. Nei primi mesi del loro successo iniziarono a circolare oggetti creati da fan club, tipografie locali o piccoli editori: spille, adesivi, cartoline, poster artigianali. Con il passare del tempo, questi prodotti divennero sempre più numerosi e organizzati, riflettendo un bisogno profondo del pubblico: quello di possedere fisicamente qualcosa che rappresentasse il proprio legame emotivo con la band.
Nel Regno Unito, già nel 1963, si potevano trovare parrucche mop-top che imitavano il celebre taglio dei Beatles, set scolastici decorati, figurine da collezionare. Negli Stati Uniti il fenomeno esplose in modo ancora più imponente nel 1964, in parallelo al tour della band. Si produssero lunch box in metallo, strumenti musicali giocattolo, orologi, giochi da tavolo, articoli per la casa e perfino cosmetici, tutti con l’immagine o il logo dei Beatles. Era nata la Beatlemania e si poteva toccare con mano.
Nei primi tempi, la gestione dei diritti d’immagine fu piuttosto caotica. Il management della band non fu inizialmente in grado di prevedere l’enorme potenziale economico del fenomeno, e firmò contratti poco vantaggiosi con alcune aziende produttrici. A gestire questi aspetti era la NEMS Enterprises Ltd., la società fondata e diretta da Brian Epstein. NEMS – acronimo di North End Music Stores – nacque come negozio di dischi a Liverpool, ma sotto la guida di Epstein si trasformò rapidamente in una vera e propria agenzia di management e produzione. Fu la NEMS a rappresentare i Beatles nei contratti con le etichette discografiche, nella pianificazione delle tournée e anche nel settore del merchandising, seppur con una certa inesperienza iniziale. La struttura di NEMS non era pronta a fronteggiare la portata del fenomeno su scala mondiale, e questo portò a decisioni affrettate, come l’affidamento delle licenze americane a partner esterni a condizioni sfavorevoli.
Negli Stati Uniti, tra il 1964 e il 1965, centinaia di aziende sfruttarono l’immagine del gruppo, spesso senza autorizzazione. Un caso emblematico fu quello della Seltaeb (acronimo di Society for Every Little Thing About the Beatles, nonché “BEATLES” letto al contrario), una società costituita per gestire le licenze di merchandising negli Stati Uniti. Epstein firmò un contratto che garantiva ai Beatles solo una piccola percentuale (inferiore al 10%) dei ricavi generati da centinaia di articoli ufficiali. Si stima che, nel solo 1964, il giro d’affari del merchandising negli Stati Uniti superasse i 50 milioni di dollari (circa 500 milioni odierni). Gran parte di quei ricavi sfuggì alla band. Questo portò a una distribuzione massiccia ma spesso poco controllata dei prodotti, con una grande fetta dei guadagni che finiva nelle mani di intermediari e licenziatari. Solo negli anni successivi, dopo la drammatica morte di Epstein, il controllo sulle licenze fu rinegoziato e centralizzato.
Tra il 1964 e il 1966 si visse quindi il primo grande ciclo commerciale legato alla band. I prodotti ufficiali non si limitavano a raffigurare i quattro musicisti, ma iniziavano a costruire attorno a loro un’estetica riconoscibile. La moda beatlesiana – con i famosi stivaletti, le giacche senza colletto e un look che mescolava raffinatezza e spirito giovanile – divenne essa stessa merce. I film A Hard Day’s Night e Help! contribuirono a rafforzare l’iconografia del gruppo e ad alimentare una gamma sempre più vasta di articoli derivati. Il merchandising dei Beatles, ancora oggi un caso esemplare nella storia del marketing musicale e della cultura materiale legata alla musica, ha segnato un prima e un dopo nel rapporto tra artista e immagine, tra musica e oggetto.
È il caso di studio più ricco e paradigmatico nella storia del marketing musicale: ha anticipato la cultura del branding musicale contemporaneo, ha mostrato come l’identità visiva possa avere un valore economico autonomo, ha trasformato l’affezione del pubblico in esperienza materiale. Ancora oggi, ogni nuova generazione riscopre i Beatles anche attraverso ciò che può toccare, possedere, collezionare. Il loro merchandising non è un semplice “corredo” della musica, ma un capitolo fondamentale della Beatlemania stessa.
Disclaimer:
Questo articolo è stato realizzato e pubblicato da Rockol.it ed i suoi contenuti sono integralmente forniti da Rockol, che ne assume ogni responsabilità editoriale. Il presente sito si limita a ospitare il contenuto in modalità non indicizzata e non è in alcun modo coinvolto nella produzione, redazione o approvazione dei materiali pubblicati.
Rock Online Italia (Rockol) è una testata giornalistica registrata presso il Tribunale di Milano: Aut. n° 33 del 22 gennaio 1996.
Immagini e diritti
Rockol:
- utilizza esclusivamente immagini e fotografie rese disponibili a fini promozionali ("for press use") da case discografiche, management artistici e uffici stampa /P.R;
- impiega le immagini per finalità di critica ed esercizio del diritto di cronaca, in modalità degradata conforme alle prescrizioni della legge sul diritto d'autore, e solo a corredo dei propri contenuti informativi;
- accetta unicamente fotografie non esclusive, destinate alla pubblicazione su testate giornalistiche, e comunque libere da vincoli di utilizzo;
- pubblica immagini fotografiche dal vivo concesse da fotografi dei quali viene indicato il copyright
Segnalazioni
Eventuali segnalazioni relative a immagini non conformi a quanto sopra descritto possono essere inviate a webmaster@rockol.it
Provvederemo a effettuare una rapida valutazione e, ove necessario, alla tempestiva rimozione del materiale.Per consultare l'articolo nella sua versione originale, visita questo link
